NOTICE EXPLICATIVE Paris et villes d'Europe

NOTICE EXPLICATIVE. Paris et villes d'Europe

1. Pour la première fois, j'ai décidé de réaliser une exposition de toiles sans cadres. Pour deux raisons:
1. Je me suis rendu compte que les cadres alourdissaient les peintures ainsi que la vision d'ensemble. Le coup d'œil général est alors aéré, allégé. Plus de cloison, plus de frontière. La peinture se libère…

2. Il m'est venu à l'esprit de construire un cadre intérieur structurant, généralement, de couleur jaune et ostensible aux yeux du visiteur. Rien à voir avec le premier cadre extérieur. En effet, il n'épouse pas exactement le gabarit de la toile, il est modulé en fonction du sujet représenté et ménage des issues. Pourquoi ? Dans cette exposition, le cadre reste ouvert et n'emprisonne pas. Au contraire, il permet au sujet représenté (monument, paysage) de sortir, de s'émanciper et de briser les barreaux de cette pseudo cage afin d'envahir tout l'espace.
Pour la première fois dans l'histoire de la peinture, le sujet s’affranchit des limites de la toile et vise à abolir les frontières… L’espace n’est plus vide, mais doté d’une architecture à la fois semblable au sujet et de aussi cosmique. Double interaction: le monument conditionne le ciel et le ciel, réciproquement, conditionne le monument: tout est relié dans l’univers.
Ces cadres intérieurs, jaunes pour la plupart, sont des sources de lumière. Pensez au "Tower Bridge". Sans la présence de ces traits jaunes, le tableau serait sombre et austère.. Le jaune, couleur du soleil, couleur de l'Esprit, illumine chaque peinture en apportant optimisme et joie…Vincent Van Gogh (1853 - 1890) a beaucoup utilisé le registre des jaunes, surtout à la fin de sa vie. Malheureusement, cette recherche de la lumière s'est achevée tragiquement.

3. Le format carré: Il confère une grande originalité car il est assez inhabituel. Nous pensons généralement à des tableaux de format rectangulaire - format à la française ou à l’italienne - comme si nous souhaitions accorder une priorité à la largeur ou à la hauteur. Cela est enraciné dans notre pensée. Le carré, très utilisé dans cette exposition car, il faut le constater, le sujet s’y prête à merveille. Il permet d'éviter ces notions de hauteur et de largeur: le tableau semble alors atteindre une stabilité et un équilibre véritables. Il est aisé d'établir un rapport entre le carré est les quatre points cardinaux. En architecture, la solidité est de rigueur si l’architecte souhaite que le visiteur habite confortablement sa réalisation, ne serait-ce qu'un instant. Question de confiance. Il en est de même en peinture. Voir n° 6.

4. Les couleurs dominantes sont le bleu et le jaune. Des tons pastels, qui cohabitent avec beaucoup d'élégance, de transparence (technique du vitrail). Aucun ton violent ou agressif. De nombreuses teintes se répètent sur la toile afin de créer des rappels qui participent à l’homogénéité et à l’harmonie chromatique. Une grande unité stylistique.

5. Lignes, dessin et pointillés :Contours soignés, dessin stylisé. Une véritable quête de pureté et de transparence. Travail construit avec des lignes géométriques objectives et d'autres, courbes, fantaisistes, subjectives et lyriques exprimant une chorégraphie: intériorité personnelle et griffe du peintre… Nous avons l'impressio qu'une construction géométrique se superpose au paysage, mêlant ainsi concret et abstrait. Cela me fait pense aux tableau de Nadir Afonso, peintre portugais de Porto (1920 - 2013) Cet artiste est remarquablent doté d'un talent esthétique et d'une capacité de stylisation exceptionnels. Lui aussi avait une grande prédilection pour l'architecture et l'a exercée pendant de nombreuses années.

Georges Seurat ( 1859-1891) a initié le pointillisme. Le tableau est intégralement couvert de pointillés. Pensez par exemple à La Grande Jatte. Mon choix est différent car quelques «parties» seulement sont garnies de pointillés de façon à former un contraste, à donner des vibrations, à fournir plus de matière, de texture ou de lumière. D'autre part, les pointillés ne sont pas toujourd distribués de façon homogène. Par endroits, dans les angles aigus en particulier, leur densité est plus importante afin de créer des polarités. Cet aspect granité accroche le regard.

Malgré la présence de figures géométriques abondantes, de "fractales", il est difficile de considérer cette peinture comme "cubiste", étant donné qu'aucun cube ne fait son apparition sur le tableau. Le cube, a été souvent utilisé par les "cubistes", qui voulaient créer une impression de perspective, donc d'espace. Oublier le plan pour entrer dans le volume.

6, Je ne saurais me satisfaire d’une peinture, jolie, doucereuse, mignarde, uniquement décorative pour combler un vide mural. D’une part, cela ne correspond pas à mon tempérament et d’autre part, cela ne parviendrait pas à combler le vide. J’ai besoin de m’entourer de choses significatives, plus consistantes ou profondes. D’aller au-delà de moi-même, de dépasser mes limites. Qu’est-ce à dire? Si le Beau n’est pas au service de la pensée, du spirituel et de l’humanisme, il est creux et stérile. Je ne saurais en aucun cas, me replier sur moi-même, m’enfermer dans un égoïsme étriqué et me satisfaire d’un succès pusillanime. Je suis constamment en quête de dialogue, de communication et de partage. De transcendance aussi. Ce qui me tient à cœur, c’est de vivre une fraternité, c’est de me sentir complice de cette vie, qui est en chacun de nous, cruelle ou joyeuse, meurtrie ou rayonnante: nous voici réunis pour nous soutenir et non pour faire la guerre. Le vrai grand art est l’art de vivre. En paix. En harmonie. Pour gérer le Bien commun. Pas de place pour les mesquins et les pervers!

7, Bien entendu, la peinture, avec ses formes et ses couleurs, ne constitue pas un langage adapté pour formuler des théories philosophiques et ne saurait se substituer à la philosophie. Le langage de la peinture est entièrement subjectif.

Mon idéal précède t-il ma pratique de la peinture? S’il en est ainsi, cette dernière n’est-elle qu’un outil au service de convictions intrinsèques, vécues avec ferveur, de façon intense et passionnée? Est-ce pour cette raison qu’elle est ressentie par les visiteurs comme une peinture habitée d’une présence forte et rayonnante? Bien entendu, tout cela est subjectif.

Entrez dans ma maison, entrez dans ces monuments de Paris et d’Europe. Je les ai habités avant ma naissance et j’y retournerai à ma mort. Il s’agit là de la théorie de la réminiscence dont le grand poète portugais, Luis de Camðes, était adepte.

Mas ó tu, terra de glória.                           Mais toi, terre de gloire
S'eu nunca vi tua essencia,                      Si je n'ai jamais vu ton essence,
Como me lembras na ausencia?              comment m'en souviendrais-je en ton absence?
Não me lembras na memoria,                  Tu ne surgis pas dans la mémoire,
Senão na reminiscencia:                          Mais dans la réminiscence.

Nostagie d'un au-delà précédant la naissance ? Où étions-nous hier ? Où serons-nous demain ? Qui anime mon pinceau et agite mon esprit ? Réalité, pourquoi te caches-tu ainsi ?

8, En guise de conclusion. Une série de peintures, simples, de lecture immédiate et caractérisée par un esthétisme certain, un optimisme paisible et une profondeur enrichissante. Pour cela, immiscez-vous dans cette intimité artistique et humaine de la même façon que le peintre s’adresse à vous. Vous réaliserez ainsi un merveilleux voyage spirituel et cosmique - unique - aux vertus thérapeutiques bienfaisantes. Et libératrices..

Rendez-vous avec le Beau, le Bon et le Bien. Avec vous-mêmes, dans la plénitude.

   JMV

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